Teatro Ruso

En la cultura rusa, hasta el siglo XVII no había concepto de “teatro”, pero la audiencia era entretenida a través de numerosas actuaciones. Como parte de las antiguas tradiciones eslavas, a veces, los residentes cambiaban sus ropas para espantar a los malos espíritus y mantenerse fuera de problemas. Esto sucedía durante estas celebraciones: la semana de Navidad, Ivan Kupala, Maslenitsa.

Bufones

Incluso en la Antigua Rusia, muchos rituales folclóricos incluían entretenimiento y escenas divertidas con la participación de bufones. Este era el nombre dado a todos los artistas folclóricos: músicos, acróbatas, bufones, mimos y cantantes.

Todos ellos eran llamados “la escuadrilla de bufones” – asociaciones creativas de artistas de diferentes géneros. Viajaban y brindaban actuaciones en asentamientos. Estos errantes bufones vivían de las donaciones de los espectadores, las cuales consistían mayormente en comida. El género más popular en estas actuaciones era la comedia folclórica. Aristócratas y príncipes atraían talentosos artistas para su propio entretenimiento, y muchos representantes de las autoridades tenían sus propias bandas de bufones: Zar Mikhail Fedorovich, Dmitry Pozharsky, Ivan Shuisky. Básicamente desempeñaban la función de “bufones de casa”, entreteniendo a los nobles y sus invitados. Vivían en la corte y se les consideraba asentados.

Las actuaciones de comedias con marionetas merecían una especial atención. Sobre todo, a la gente le gustaba los personajes del oso y la cabra con cucharas de madera. Las actuaciones eran acompañadas por la presentación de canciones folclóricas e historias tradicionales de cuentos de hadas. En cada festejo de pueblo o feria, siempre había bufones. A menudo su improvisación aumentaba el festejo y la diversión.

Pero no todos estaban contentos con las habilidades de los bufones. La iglesia ortodoxa condenaba la utilización de prendas cortas y máscaras, y estos eran los atributos de muchos artistas, por lo cual las autoridades de la iglesia perseguían a los entretenedores. Adicionalmente, el comportamiento de los bufones a menudo contradecía el tradicional estilo de vida ruso. A mediados del siglo XVII, los itinerantes bufones comenzaron a cambiar de ocupación, muchos se cambiaron a la dirección musical y el teatro reemplazó las improvisadas actuaciones folk.

Arte Teatral del Imperio Ruso

El teatro ruso adquirió importancia profesional tras el Zar Alexei Mikhailovich. El teatro de la corte imperial fue fundado por el pastor luterano Gregorio. Bajo decreto soberano, él reclutó a un grupo de artistas talentosos y comenzó a enseñarles comedia. Para las actuaciones, se atrajo a extranjeros del asentamiento alemán y se utilizó el acompañamiento musical con instrumentos. Por primera vez en la cultura rusa, el escenario era utilizado para las actuaciones, y se trazó una perspectiva lineal. Los artistas cantaban y danzaban mostrando diferentes escenas. El teatro comenzó a ser percibido como una especie de espejo que reflejaba la vida moderna.

El teatro imperial fue fundado por la corte imperial. Figuras extranjeras se vieron involucradas en las actuaciones, con lo cual muchos elementos, decoración y trabajos, fueron tomados de los escenarios occidentales.

El suceso de esta nueva dirección, estimuló la apertura de otros tipos de teatro:

1. Escuelas de teatro. La primera fue la creada en el teatro de la Academia Eslava- Greco -Latina. Aquí las actuaciones tomaban lugar para las vacaciones, involucrando a todo el equipo de la escuela: los profesores escribían los libretos y los estudiantes los representaban en el escenario.

2. Teatros de siervos (esclavos), los cuales se convirtieron en un fenómeno único de la cultura rusa. Algunas familias nobles abrieron sus propios teatros privados, en los cuales actuaban los siervos, incluidas las mujeres. Praskovya Zhemchugova-Kovaleva dejó la compañía del popular teatro Sheremetyev. La actriz sierva, habiendo recibido su libertad se casó con el conde Nikolai Sheremetyev y se convirtió en una condesa.

3. Teatro público, creador por orden de Pedro I en 1702. El “Templo de la Comedia” fue construido especialmente para él y estaba ubicado en un edificio separado en la Plaza Roja de Moscú. Pronto compañías amateurs y profesionales comenzaron a formarse en todas las regiones de Rusia.

Otras ramas de la escena también se desarrollaron. La audiencia en masa comenzó a asistir a actuaciones teatrales en la segunda mitad del siglo XVIII. El teatro se convirtió rápidamente en una parte importante de la cultura rusa.

Ballet Ruso

La escuela rusa de ballet es de interés mundial y ahora el ballet reúne salas llenas y las entradas deben comprarse con varios meses de antelación. Pero cuando este arte llegó por primera vez a Rusia, estaba destinado al papel de inserciones de danza corta en los intermedios de las representaciones de ópera y teatro.

Durante las reformas de Pedro I, comenzaron a crearse escuelas de teatro y las lecciones de danza, incluido el ballet, fueron introducidas en el programa de las instituciones educativas nobles. Al mismo tiempo, los profesores y los grupos de danza extranjeros comenzaron a ser invitados. Pero el punto decisivo fue el establecimiento de la compañía de ballet por orden de la emperatriz Elizabeth Petrovna en 1741. Año tras año, esta dirección de la danza ganó popularidad, y los bailarines fueron perfeccionando sus habilidades.

A comienzos del siglo XIX, el ballet alcanzó su más alto nivel en el arte teatral de Rusia. Las danzas expresivas y la especial gracia de las bailarinas de Rusia despertaron admiración. Los teatros que albergaban actuaciones de ballet en Moscú y San Petersburgo estaban bien equipados, y la dirección en sí era bien financiada por el estado. Maestros extranjeros contribuyeron a la formación de la escuela de ballet de Rusia: Charles Didlot, Marius Petipa, Arthur Saint-Leon. La gran, talentosa y bien entrenada compañía de teatro de bailarines rusos fue altamente apreciada en Europa en el siglo XIX. Por este motivo, los mejores coreógrafos europeos a menudo visitaban Moscú y San Petersburgo.

El ballet ruso recibió un nuevo aire gracias a los trabajos musicales de Tchaikovsky. Antes de esto, se creía que la música no era importante, se utilizaba solo como acompañamiento de los bailarines, nada serio. El Lago de los cisnes de Tchaikovsky cambió todas las ideas de lo que ballet podía ser, alcanzando el mismo nivel que la ópera y la sinfonía musical. Si bien con anterioridad la melodía se ajustaba a la danza, ahora la danza dependía de la música. Esto cambió el enfoque del ballet en general.

El próximo paso fue la escuela del coreógrafo A. Gorsky. Él proclamó la arcaica naturaleza de la pantomima, la cual fue utilizada en la danza y comenzó a aplicar los métodos modernos de la dirección. Al mismo tiempo, Gorsky, se enfocó en el diseño de la escenografía, el realismo y la calidad de escena.

El coreógrafo Mikhail Fokin sugirió revisar la estructura de las actuaciones de ballet. Él decía que para cada actuación se necesitaban diferentes movimientos de danza y guiones, dependiendo del tema, la era y el acompañamiento musical. Fokin aparece en la historia como un reformador de la escuela de danza rusa, considerando cada actuación como un trabajo separado, no conectado con las otras actuaciones.

Tras la revolución de 1917, famosos bailarines y coreógrafos, juntos con otros artistas, dejaron Rusia. Pero esto no paró el desarrollo del ballet en la joven Unión Soviética. El nuevo gobierno enfrentó una difícil tarea: convertir al alto nivel del ballet en actuaciones de la vida cotidiana, comprensibles para la gente ordinaria. Aparecieron trabajos en los cuales el contenido de famosos trabajos fue trasladado utilizando pantomima y danza, el llamado “ballet dramático”. A finales de los años 1950 – 1960, se revivieron las coreografías de miniaturas, el ballet en un acto y el ballet sinfónico. En la próxima década, emergieron muchas compañías independientes de ballet, incluyendo estudios para danza contemporánea y coreografía libre.

Teatro en la Unión Soviética

Los bolcheviques, quienes llegaron al poder en 1917, no tenían apuro en abandonar el arte teatral. Pero el repertorio fue completamente revisado, algunos géneros fueron removidos, y otros nuevos agregados. El gobierno soviético se enfocó en la propaganda del colectivismo y apoyó el desarrollo del arte en esa dirección. Los principales héroes positivos eran “personas ordinarias soviéticas”, el proletariado. Negativas imágenes satíricas parasitarias estaban representadas por el alcoholismo, los holgazanes y otros elementos antisoviéticos. Por todo el país, se crearon nuevos grupos teatrales y se abrieron teatros. Las compañías se iban de campaña alrededor de todo el país y fue allí donde nacieron las actuaciones colectivas al aire libre.

Poco a poco, el destino humano pasó a primer plano, las características de la formación del carácter, el reflejo de eventos reales (a través del prisma de la propaganda). La sátira y la comedia siguieron siendo un género favorito. En esta dirección, el más famoso fue el Teatro Meyerhold: los boletos para las actuaciones satíricas de propaganda se agotaban rápidamente. Meyerhold tomó trabajos clásicos, agregó trucos y humor al guión y los convirtió en actuaciones espectaculares. Pero a menudo, estas actuaciones perdían su profundidad y drama, esto sucedió, por ejemplo, cuando se lanzó la representación basada en el trabajo “El Bosque” de Ostrovsky. Sin embargo, la audiencia aceptó la sátira interpretación de los clásicos con gran entusiasmo.

En el escenario del Teatro de arte de Moscú (Teatro de arte de Moscú creado por Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko en 1898), se representaban actuaciones que revelaban las experiencias espirituales de una persona. Stanislavsky mismo hizo una gran contribución al desarrollo del arte teatral, creando un sistema único del trabajo del actor en la imagen. Para él era importante combinar el mundo interno y el comportamiento del actor con la imagen del héroe. La comedia de Ostrovsky, “Corazón caliente”, se presentó en escena en el mismo tiempo que “El bosque” en adaptación de Meyerhold, revelado a través de imágenes vívidas de los personajes principales. En las décadas venideras, esta obra estableció el parámetro para el desarrollo del teatro soviético al representar clásicos.

Tras la llegada de Stalin al poder, el teatro comenzó a ridiculizar todo lo relacionado con el Occidente. Estaba prohibido parodiar a los oficiales de la Unión Soviética y los trabajadores del partido. El deshielo de los años 60 abrió el camino para nuevas direcciones. Bajo la dirección de Yuri Lyubimov se creó un teatro en Taganka, el cual exhibía poesía y actuaciones aéreas, abandonando las actuaciones de realismo social. A pesar de que oficialmente estaba calificado como de “baja categoría” y solo grupos principiantes estaban más abajo en la jerarquía oficial, el lugar so volvió popular en Moscú y alrededor de toda la Unión Soviética,

Al mismo tiempo, apareció en la Unión Soviética un teatro estable para personas sordas y mudas, convirtiéndose en el primero en el mundo en esa dirección. El significado del discurso y las emociones de los héroes estaba representado a través del arte de la pantomima, los gestos, la plasticidad y la danza. También contaba con un doblaje simultáneo de cada actuación realizada por el anunciador.

El poder soviético centralizado trajo aparejado a los mas talentosos trabajadores del arte, incluyendo actores y directores en Moscú y Leningrado. Las escenas provinciales se encontraban vacías y las diferencias entre las producciones y actuaciones eran colosales. Asimismo, la inteligencia creativa era monitoreada cuidadosamente en orden de reducir el discurso negativo del poder soviético y para prevenir los ambientes occidentales en discursos y trabajos. Muchos escribieron sus trabajos “en orden” y trataron de romper la “Cortina de hierro” emigrando. Durante la perestroika, sucedió que un número de figuras prominentes en la cultura y el arte abandonaron el país.

Cultura Teatral en la Rusia Moderna

El colapso de la Unión Soviética afectó a toda la cultura de Rusia. Debido a la falta de fondos, muchos teatros provinciales fueron cerrados y las personas emigraron dentro y fuera del país.

Con el tiempo, la estructura teatral tomó formas claras y se delinearon varias direcciones en la Rusia moderna:

1. Producciones clásicas. Un ejemplo de este teatro es el Teatro de arte dramático del Bolshoi en San Petersburgo.
2. Teatro contemporáneo. El Teatro de Novosibirsk Globus es exitoso experimentando con las formas inusuales del arte teatral.
3. Producciones documentales. Un ejemplo de esta tendencia son las actuaciones en el Moscú "Teatr.doc".
4. Teatro humorístico. Popular en Rusia "Quartet I", que también cuenta con varios films.
5. Musical. Este género apareció en Rusia a comienzos del 2000 y se volvió muy popular.
6. Ópera. Algunos de los más populares en este género son considerados el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, el Teatro Bolshoi en Moscú y la Academia de Teatro Musical en Moscú.

Los viajeros que visitan la capital oficial de Rusia están encantados de ver actuaciones en el Teatro Sovremennik, en el teatro de arte de Moscú nombrado tras Chekhov, en Lenkom, RAMT, el Teatro Oleg Tabakov y Satyricon. En la capital cultural de Rusia, son populares el renombrado Teatro de arte dramático Bolshoi, el Teatro Alexandrinsky, Lensovet, Teatro de drama Maly "Teatro de Europa".