Arte Turco
El arte turco abarca algunas de las formas más fascinantes del mundo. Muestra la cultura y el estilo de vida de las tribus de Asia Central y los Selyúcidas, así como el arte de culturas precedentes como los Hititas, los Antiguos Griegos y los Bizantinos. Las formas más antiguas, como la fabricación de fieltro, se remontan a los siglos III y IV a.C., y se sabe que Hititas y Uigures utilizaban el fieltro en su vida cotidiana.
El arte Otomano, como la caligrafía y otras formas decorativas, se extendió en el siglo XVI y principios del XVII, la Edad de Oro del Imperio Otomano. En los siglos XVIII y XIX, el arte Turco se vio influido por los estilos Europeos contemporáneos.
El siglo XX marcó una transición de las tradiciones artísticas Otomanas a un enfoque más secular. Muchos pintores empezaron a buscar representaciones únicas alejadas de la influencia occidental.
A continuación, se presenta una introducción al arte Turco que refleja las diversas culturas que florecieron en el territorio de Anatolia. Durante el periodo Otomano, el arte Turco se caracterizó por el estilo Islámico en la arquitectura y la decoración de manuscritos con miniaturas e iluminación. Una Plétora de tejedores, alfareros, metalistas y calígrafos, entre otros, han producido bellas obras que han contribuido al patrimonio artístico de Turquía.
Caligrafía Turca
La caligrafía en Turquía surgió tras un largo periodo entre las épocas VI y X, junto con el avance de la escritura Árabe. Además de los seis estilos estándar de la caligrafía Islámica, los turcos inventaron la suya propia basada en la cursiva Persa llamada "talik". La caligrafía Turca siguió prosperando en los siglos XIX y XX. Sin embargo, con la adopción de la escritura Latina en 1928, dejó de ser una forma de arte popular y se transformó en un arte tradicional que se enseñaba en escuelas especializadas.
Algunos de los mejores ejemplos de caligrafía Turca son la tughra decorada de Suleyman el Magnífico (1520), la descripción del Profeta Muhammad realizada por el calígrafo Hafiz Osman y las decoraciones caligráficas de la cúpula principal de la Mezquita Azul y del Palacio de Topkapi.
Miniaturas
El arte de la miniatura consiste en crear pequeñas pinturas sobre textiles, libros, alfombras y otros objetos. A menudo se limitaba a las decoraciones de los manuscritos.
Los Turcos Selyúcidas hicieron hincapié en la pintura en miniatura. Durante el Imperio Otomano, la tendencia Selyúcida y Persa prevaleció hasta el siglo XVIII. Los miniaturistas más famosos de la época fueron Mustafa Celebi, Suleiman Celebi y Levni Abdulcelil Celebi. La obra de Levni supuso un punto de inflexión en la historia de la miniatura Turca. Desarrolló su estilo único dejando atrás los conceptos tradicionales. En el siglo XIX, la miniatura Otomana experimentó cambios bajo la influencia del arte Occidental.
El antiguo arte de la miniatura del Turco Otomano se denominaba taswir o nakish. Con el tiempo, las miniaturas fueron dando paso al arte moderno tal y como lo entendemos hoy.
Iluminación
El término "iluminación" describe el arte de decorar manuscritos con oro o plata. "Tezhip" es un término Turco derivado del Árabe "dhahab" (oro).
La historia de la miniatura Turca se remonta al siglo IX. Los Selyúcidas llevaron esta técnica a Anatolia, que culminó durante el periodo Otomano, especialmente con Solimán el Magnífico. La iluminación Otomana decayó cuando la decoración en escamas sustituyó a los motivos clásicos. La influencia occidental pudo observarse en el arte de la iluminación turca en el siglo XIX.
El ejemplo más antiguo expuesto en la Biblioteca del Palacio de Topkapi es una página del Corán de 1131. En el Bazar de las Artes de Estambul aún hay artesanos que han conservado la técnica de iluminar manuscritos.
Papel Marmoleado "Ebru”
El "Ebru" es un arte Turco del marmoleado, que consiste en crear patrones de colores espolvoreando y pincelando pigmentos en agua y aplicando después los patrones de flores, hojas, ornamentos, mezquitas o la luna sobre el papel. Es tan singular y antiguo que la UNESCO lo incluyó en su lista de patrimonio cultural inmaterial. En Turquía hay maestros que continúan esta tradición.
El arte del Ebru se originó mucho antes del periodo Islámico, aproximadamente en el siglo XIII, y sigue utilizándose para decorar textos y libros religiosos. Ebru deriva de la palabra persa "ebri", que significa "nebuloso, como una nube".
Nechmeddin Okyay, uno de los últimos maestros Otomanos del arte Islámico, creó una nueva forma de caligrafía utilizando Ebru. Okyay empleaba caligrafía con cola, la secaba y luego utilizaba un patrón caligráfico para transferir el jaspeado.
Entre los artistas modernos que se dedican al arte del Ebru se encuentran Ozden Aydin, Eda Ozvbekkangay, Duygu Orak, Tuzin Tiryaki, Turk Kagidi y Tuba Bacioglu.
Vidriería
La vidriería era un arte prominente entre los Turcos de Asia Central. Los Selyúcidas de Anatolia valoraban mucho las vidrieras. Por ejemplo, una de las piezas de cristalería favoritas era un plato de color miel en vidrio dorado con borde curvos. Este plato se encontró en las excavaciones del palacio de Kubadabad del Sultán Alaeddin Keykubad I, en el lago Beysehir.
La técnica del vidrio se perfeccionó durante el dominio Otomano. Además, los maestros vidrieros representaban un poderoso gremio bajo la protección del gobierno.
El arte de diseñar objetos de vidrio con motivos únicos y los secretos de los sopladores de vidrio de Beykoz han sobrevivido hasta nuestros días. Esos conocimientos se utilizaban para fabricar lámparas de aceite, jarrones, azucareros, copas y vidrieras.
Los interesados en el proceso de fabricación de objetos de vidrio pueden visitar el Centro de la Fundación de Muebles de Vidrio, situado en Beykoz, Estambul.
Azulejería
La azulejería se desarrolló normalmente junto con la arquitectura. Se cree que los turcos trajeron el arte a Anatolia. El turquesa era el color principal de los azulejos vidriados que se usaban para decorar palacios, mezquitas y tumbas. Hay bellos ejemplos de azulejos en el palacio de Topkapi y en Iznic (la antigua Nicea). Entre las mezquitas destacan los azulejos de la Mezquita de Rustem Pasha.
Los azulejos de Iznik se consideraban la mejor cerámica de los siglos XV y XVII. Kutahya fue el segundo centro más importante de producción de azulejos entre los siglos XVII y XVIII. En la actualidad, ambas ciudades siguen produciendo cerámica y azulejos.
Madera Tallada
El arte del trabajo de la madera maduró en Anatolia durante el periodo Selyúcida y adquirió sus características únicas. Los Selyúcidas eran excelentes talladores de madera y la utilizaban para decorar interiores de mezquitas y puertas de armarios. Predominan los motivos florales o geométricos. El minbar de la Mezquita de Alaeddin en Konya, la Gran Mezquita de Manisa y la Gran Mezquita de Birgi son los ejemplos más bellos de la talla Selyúcida en Anatolia.
Los artefactos Otomanos presentan una técnica más sencilla. Los ebanistas solían emplear la madera para fabricar muebles domésticos y diversos enseres y elementos arquitectónicos como ventanas, puertas, vigas, consolas, techos, minbars, etc.
Arte Sedef
Los trabajos en madera de los siglos XIV y XV estuvieron bajo la influencia Selyúcida. Sin embargo, surgieron nuevas formas decorativas, como Sedef. "Sedef", que significa "madreperla" en turco, se utilizaba como incrustación en las artes tradicionales. Además de conchas de perlas, los artesanos solían utilizar caparazones de tortuga, huesos de camello y marfil para decorar los muebles de Sedef.
Gaziantep es uno de los lugares donde se puede contemplar el arte artesanal de la tradición de la incrustación de nácar.
Kilims de Anatolia
El término kilim es de origen turco y designa las alfombras y moquetas fabricadas en Anatolia y regiones adyacentes. Junto con los kilims de tejido plano, las alfombras de Anatolia forman parte esencial de la cultura regional, entendida hoy como cultura turca.
La llegada del Islam y el desarrollo del arte islámico influyeron en los motivos decorativos de las alfombras anatolias.
Las tribus turcas de Asia Central introdujeron el tejido de alfombras en Anatolia. En consecuencia, las alfombras anatolias forman un grupo de alfombras turcas étnicas. Algunos de los ejemplos más antiguos son las piezas que se conservan de las fabricadas por los turcos selyúcidas en el siglo XIII. Estas piezas vuelven a contener motivos geométricos y florales en colores rojo, amarillo, verde, naranja, azul, marrón y negro. Se tejieron en las provincias de Sivas, Kayseri y Konya.
Las alfombras del periodo entre los selyúcidas y los otomanos (siglo XIV) incluyen animales, aunque muy pocas de ellas han sobrevivido hasta nuestros días.
El periodo de las alfombras otomanas clásicas o de palacio comenzó en el siglo XVI, con tulipanes y otras flores, hojas y ramas retorcidas.
El tercer periodo de la historia de las alfombras turcas abarca el periodo entre los siglos XVI y XVIII y se conoce como Alfombras de Transilvania porque se descubrieron en iglesias de Transilvania.
Por último, a principios de los siglos XIX y XX, los kilims fabricados en Hereke (cerca de Estambul) se hicieron mundialmente populares. En un principio, sólo estaban destinados a los sultanes del Imperio Otomano. Los mejores kilims de seda del mundo se siguen fabricando a mano en Hereke.
Bordados Turcos
El arte del bordado en seda en Turquía se atribuye a los turcos, que emigraron a suelo turco desde Asia Central entre los siglos XI y XIII.
Trescientos años después, los turcos otomanos estimularon la producción de bordados divinos y lujosos tejidos. El textil se creaba en los harenes de los sultanes del palacio de Topkapi. El bordado estaba muy extendido en los ejércitos selyúcidas y otomanos.
Se pueden apreciar similitudes del bordado turco con el de Persia y Asia Central. Los diseños florales y de granadas son muy comunes. Con el declive otomano, el bordado turco recibió nuevas influencias de Europa. Las pequeñas flores de los ramos sustituyeron a las grandes flores y motivos.
A pesar de que la tecnología barata afecta a los tejidos hechos a mano, esta artesanía sigue viva. En la localidad de Sile, en el Mar Negro, cerca de Estambul, se fabrican prendas, toallas y manteles de algodón bordados.
Fabricación de Fieltro
La fabricación de fieltro es probablemente uno de los textiles más antiguos. Aunque se cree que Mongolia es la cuna de esta artesanía única, otras naciones de Asia Central, incluidos los turcos, desarrollaron sus propias tradiciones y técnicas. Hay pruebas de que los uigures de Asia Central y los hititas de Anatolia fabricaban alfombras, tiendas, sombreros, zapatos y muchos otros artículos para sus necesidades cotidianas.
El fieltro auténtico se fabrica con agua caliente jabonosa y fricción para apelmazar, condensar y prensar las fibras de lana.
Estambul ofrece algunos talleres de fabricación de fieltro. Uno de ellos es un taller dirigido por Mehmet Girgic, famoso maestro fieltrero de Estambul.
Talla de Piedra
Al igual que la madera, la piedra era el material principal para construir y decorar mezquitas, turbas, madrasas, caravasares y tumbas. Los motivos figurativos y ornamentales eran los más comunes. En el siglo XIII, los diseños se hicieron más complejos e intrincados, con motivos geométricos angulosos e inscripciones con el nombre de Dios o del gobernante, llamadas cúficas.
Las decoraciones otomanas eran más sencillas y en su mayoría se asemejaban a elementos arquitectónicos. En el siglo XVIII, la talla de piedra se orientó hacia decoraciones de estuco y motivos barrocos.
Los turcos selyúcidas eran grandes aficionados al uso de la piedra para decorar relieves laicos y religiosos. Además de motivos florales, solían tallar animales, sirvientes, cazadores, fieras y águilas. Uno puede preguntarse: "¿Cómo es posible con la prohibición del Islam de dibujar imágenes?". Lo cierto es que la ley se promulgó en el siglo IX, pero no se aplicó estrictamente hasta el siglo XV. Algunos de los símbolos tallados remiten a creencias chamanísticas. Una de ellas es la creencia de que las águilas son aves sagradas que protegen las almas. Algunas lápidas tienen un águila, aludiendo a la transformación del alma tras la muerte en forma de pájaro. En la ciudadela de Konya hay un águila bicéfala bien conservada, fechada en 1221. El minarete gemelo de Sivas contiene el mismo símbolo. Rara vez se utilizaban motivos humanos; normalmente se trataba de cabezas humanas en grupos, reflejo de la creencia selyúcida en la astrología.
Joyería Turca
Las excavaciones arqueológicas revelan que el arte de la joyería turca en tierras de Anatolia se remonta al Neolítico (8000-5500 a.C.), cuando los hititas, los asirios y otras sociedades antiguas fabricaban pendientes y anillos de oro y plata.
Los turcos selyúcidas de Anatolia eran grandes artesanos, que utilizaban una gran variedad de piedras y materiales, como rubíes, perlas, turquesas, oro, plata y bronce. Las formas florales de los objetos reflejan su naturaleza nómada.
En el Imperio Otomano, la joyería turca alcanzó su máximo esplendor. Pendientes enjoyados, brazaletes, collares, anillos en forma de perla o largos colgantes y otras piezas preciosas eran el verdadero arte de la época.
Los sultanes otomanos y los miembros de su corte adoptaron los aigrettes como símbolo de poder. A menudo se adornaban con piedras preciosas en forma de flor o de gota. Rubíes, zafiros y esmeraldas eran las piedras favoritas, y los motivos más comunes incluían violetas, rosas, tulipanes, pájaros y mariposas.
Como muchas facetas del arte turco, la producción de joyas conoció un éxito inusitado durante el reinado de Solimán el Magnífico en el siglo XVI. El Gran Bazar se convirtió en el centro neurálgico de la producción y el comercio de joyas. El bazar aún conserva muchas joyerías con magníficos productos.
Tras el Gran Bazar, el palacio de Topkapi es el segundo lugar para contemplar la excepcional colección de joyas de los otomanos.
La rica tradición de artesanía de primera categoría sigue formando parte de los diseños contemporáneos. Se pueden encontrar piezas extraordinarias, que son una combinación de arte tradicional y toques modernos. Predominan los diseños minimalistas, que combinan diamantes y esmeraldas con oro y plata.
Pintura Turca
La pintura turca no comenzó hasta el siglo XIX, cuando se proclamaron las Reformas Tanzimat en 1839, y avanzó hasta la Primera Constitución de 1876. Muchos aspectos del arte turco florecieron y también se abrieron a las influencias occidentales. Un retrato del consumado calígrafo sultán Abdlmecid, obra de Ferik Ibrahim Pachá, se convirtió en la primera pintura de tradición otomana. El posterior sultán Abdulaziz, entusiasta de la caligrafía y el arte, creó una impresionante colección de pinturas en el palacio de Dolmabahce.
Los pintores turcos de la época viajaron a Europa para recibir educación occidental y muchos pintores europeos trabajaron también en Turquía. La pintura en miniatura se desplazó a la pintura sobre lienzo. Osman Hamdi Bey y Halil Pasha se formaron en Europa y no sólo pintaron a sultanes, sino también a gente corriente. Otros pintores destacados del periodo otomano fueron Seker Ahmet Pasha, Suleyman Seyyid, Osman Hamdi, Halil Pasha, Ruhi Arel, Ibrahim Calli y Hikmet Onat. La Academia de Bellas Artes abrió sus puertas en Estambul en 1883. Se dedicaban principalmente a la creación de pinturas de paisajes.
En 1919, la Sociedad Otomana de Pintores organizó su primera exposición en el Galatasaray de Estambul. Más tarde, los pintores tendieron hacia el impresionismo, y el más destacado entre los pintores impresionistas fue Halil Pasha.
Los movimientos abstracto y cubista influyeron en los pintores turcos de los años siguientes. Las obras de Sabri Berkel y Hlil Dikmen son buenos ejemplos de este género.
Tras el establecimiento de la República Turca en 1923, jóvenes artistas como Refik Fazil Elikman, Cevat Dereli, Mahmut Cuda y muchos otros allanaron el camino del arte moderno en Turquía.
Una mirada a los artistas turcos del siglo XXI demuestra que el arte en Turquía es una fuerza dinámica que abraza nuevas tendencias y géneros dictados por un nuevo tiempo.
Pinar Yolacan es una artista turca contemporánea afincada en Nueva York. Ha creado llamativos retratos de ancianas vestidas con prendas de carne cruda y partes de animales.
Taylan Unal es un destacado expresionista abstracto turco afincado en Estambul. Inspirado por las ideas del filósofo francés Gilles Deleuze y el artista estadounidense Jackson Pollock, utiliza la deformación de las pinturas en sus obras.
Entre las videoartistas feministas contemporáneas turcas se encuentran Nil Yalter, Sukran Moral y Ramize Erer, que hacen hincapié en la desigualdad de género. Erer fue galardonada con el Premio al Coraje Creativo 2017 por plantear cuestiones feministas en sus viñetas. Nil Yalter es la primera mujer videoartista turca.
Fotografía Turca
La invención de la fotografía contribuyó inevitablemente al desarrollo de la modernidad en el siglo XIX. Los extranjeros que viajaban por el Imperio Otomano fueron los primeros en introducirla en la corte. Los hermanos italianos Carlo y Giovanni Naya fueron los primeros en abrir un estudio de fotografía profesional en Estambul en 1845. Cinco años más tarde, la otomana Vasilaki Kargopoulo creó otro estudio. En 1860, el número de estudios aumentó considerablemente en los alrededores de los barrios de Pera y Kadikoy, en Estambul.
El arte de la fotografía se viralizó durante el reinado del sultán Abdul Hamid II. Bajo sus órdenes, los fotógrafos tomaron numerosas fotos que mostraban la vida política del Imperio Otomano y las enviaron a la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y al Museo Británico de Inglaterra.
Un fotógrafo turco a seguir es Servet Kocyigit. Afincado en Ámsterdam y Estambul, entre sus galardones figuran el Premio Internacional Shpilman 2016 a la Excelencia en Fotografía y el de Mejor Fotógrafo del Año en el Festival de Lianzhou 2012.
La nueva cultura digital dio origen a un nuevo género conocido como media art. Y Turquía no se quedó atrás. Refik Anadol es un destacado artista y diseñador turco-estadounidense de nuevos medios. Utiliza algoritmos de inteligencia artificial para crear entornos abstractos y surrealistas. Algunas de sus obras más significativas son Unsupervised, Museo de Arte Moderno (2022), Machine Hallucinations, Hong Kong (2021), Seoul Haemong, Dongdaemun Design Plaza de Seúl (2019-2020), e Infinity Room, Estambul (2015).